Все искусство — от пещерных рисунков до постмодерна — Shtukensia Gallery

Все искусство — от пещерных рисунков до постмодерна

Если вы хотите на пальцах разобраться во всем искусстве сразу, то вы пришли по адресу. В этой статье я собрала картины, которые помогут вам стать экспертом по изобразительному искусству, понять и суть черного квадрата Малевича, и почему раньше художники так хорошо рисовали, а в так называемом современном искусстве на холстах точки да палочки. Давайте совершим путешествие по миру картин от древней наскальной живописи (верхний палеолит: 50-10 тыс. лет назад) до модерна (modern art — с 1860 по 1980) и постмодернизма (contemporary art — с 1980 г по н.в.). И разберемся, как в разное время люди оценивали искусство, как понимали, какая картина хорошая, а какая плохая.

Древняя наскальная живопись — пещера Альтамира

Древние люди использовали рисунки с целью помочь себе в охоте. Они изображали животных, на которых охотились и которые их окружали в повседневной жизни. Критерий хорошей картины — ее магическая сущность, изображение было своего рода тотемом, который имел волшебный смысл, придавал сил на охоте и оценивался с точки зрения культа.

Вазовая живопись Древней Греции

Картины Древней Греции (~2000 г до н.э. до 30 г до н.э.), как и скульптура, имели уже совершенно другое назначение. До наших дней картины не дошли, но сохранились изображения на вазах и фрески. Суть изображений — быть идеалом, к которому стремились люди. Люди изображались в своей божественной идеальности с атлетичными фигурами, статные, сильные. Идеальные формы и сюжеты, подкрепляемые философскими изысканиями Платона, Аристотеля и других, фокусирующихся на человеческой личности и ее жизненных идеалах. Хорошая картина в этот период — это картина, изображающая идеал.

Афродита Книдская, IV в. до н.э.

Древняя Греция показала невероятное развитие реалистичности в изобразительном искусстве, которое в последующие века постепенно «забудется» человечеством, перейдя в новые формы, далекие от реализма. Скульптуры, философия, государственное устройство, отношение к человеку, культура жизни — все это достигло некоторого апогея. Будет очень интересно увидеть, как в XIV-XV веках произойдет возврат к идеям Древней Греции и новое их осмысление в творчестве в эпоху Возрождения (именно по-этому ее так и назвали). А пока… продолжим двигаться дальше по временной шкале.

Фреска «Альдобрандинская свадьба», I век до н.э.

Живопись Древнего Рима (~II в. до н.э. до 467 г н.э.) не отличалась излишней художественностью, так как римляне не считали рисование важным занятием, но если предметы искусства доставались завоевателям в качестве трофея, то высоко ценились. В этот период художники приобретали в основном навыки копирования работ, в том числе древнегреческих. Ценилось умение точно скопировать чужие изображения. Хорошая картина в эту эпоху — эта либо картина, добытая путем завоевания, либо хорошо скопированная с других произведений искусства. До нас не дошли картины на холстах того времени, а только изображения, запечатленные в теле строений (фрески и проч.).

X в. — Мара испытывает Будду

Начало нашей эры (I-XV вв.) в области изобразительного искусства характеризовалось религиозным аспектом. Зародилось и активно развивалось Христианство, появился Ислам, развивался Иудаизм и другие религии. Искусство и картины были во многом инкорпорированы в религию, церковь стала основным заказчиком художника. Основная суть картины в этот период — быть духовным символом божества, показывать одухотворенные образы, передавать ощущение восторга и причастности к вере. Излишняя реалистичность изображений не требовалась, а зачастую даже отрицалась. Картина стала символом религиозной истории.

Мона Лиза (Джоконда), Леонардо да Винчи ~1500 г.

Ренессанс (эпоха Возрождения — с 1300 по 1600 гг.) стала временем возврата к древнегреческим идеалам. Художники начинают делать упор на реализм, стараются максимально точно изобразить окружающий мир. Люди на картинах выглядят почти как на фотографии, есть ощущение объема, используется перспектива, разрабатываются методики изображения трехмерных объектов на плоскости. Леонардо да Винчи уповает на золотое сечение, чтобы как можно точнее ухватить пропорции человеческого тела и других объектов. В этот период работают и такие авторы как Босх, Боттичелли, Тициан, Микеланджело, Рафаэль, Караваджо, и др.

Скульптура из мрамора «Давид» — Микеланджело, около 1500 г.

В период Возрождения основной критерий оценки искусства — насколько точно оно изображает реальность, идет расцвет реализма, активное изучение форм человеческого тела. В этот же период развивается наука, снижается ранее определяющее влияние церкви на культуру (ослабевает инквизиция), зарождается философия гуманизма, человек и его личность опять выходят на первый план. Художники также стремятся к изучению природы и человека, многих из них занимает вопрос изучения анатомии для создания максимально реалистичного рисунка.

Девушка с жемчужной сережкой — Ян Вермеер, 1665 г.

Барокко, Голландская живопись, Русская живопись и другие направления XVII-XIX вв. продолжают развивать традиции реализма. Художники еще больше углубляют знания анатомии, света и тени, перспективы. Работы становятся очень реалистичными и красивыми, для изображения выбирается художественное освещение. Преобладает эстетическая оценка картин, учитывается композиция, расположение элементов, в картине появляется многослойный сюжет.

«Отдых» — Илья Репин, 1882 г.

Основные заказчики картин — богатые люди или правители. Картина приобретает декоративный смысл. Людям хочется видеть красивые изображения, которые можно повесить в доме и любоваться. Качество работы оценивается по красоте и похожести на реальность. Авторы этого периода: Рубенс, Веласкес, Вермеер, Рембрандт, Васнецов, Репин и проч.

И вот мы входим в Модерн — постепенно с 1860 года начинают возникать новые художественные идеи и подходы к изобразительному искусству (символизм, импрессионизм, пуантилизм, постимпрессионизм, сюрреализм, супрематизм, кубизм, абстракционизм и др.). Картина перестает служить заказчикам красивой декорацией или украшением для дома, художник перестает быть «на посылках» у богачей и начинает создавать искусство независимо от рыночных потребностей, а ради себя самого. Художники начинают трудиться более самостоятельно, рисуют то, что им самим интересно. Уже готовые работы выставляются на продажу через галереи, многие из них не торопятся покупать из-за того, что люди к такому искусству не привыкли, поэтому художник в этот период зачастую живет очень бедно.

Автопортрет — Винсент Ван Гог, 1889 г.

Если раньше фотографическая точность была главным критерием качества художественных работ и по сути ее целью, то в Модерне художники сначала провозгласили, что картина больше не должна изображать объекты реалистично. Появились картины, отражающие эмоции от увиденного, размытые изображения с флером загадочности и таинственности, далекие от реальности (импрессионизм — от фр. impressionnisme впечатление). Критерий качества картины — эмоция, запечатленная в изображении, стихийность, сиюминутность, напор мазков и намек на объекты.

Авторы: Врубель, Писсаро, Мане, Дега, Сезанн, Моне, Рэнуар, Ван Гог, Гоген, Руссо, Тулуз-Лотрек, Синьяк, Сёра, Дали, Пикассо, Гофман и проч.

Впечатление. Восход солнца — Клод Моне, 1872 г.

Художники далее пришли к идее возможности изображения того, чего нельзя увидеть в реальности (своей фантазии). Параллельно с развитием научных идеи корпускулярно-волнового дуализма, изучения космоса, пространства и времени, возникают картины, в которых предметы ведут себя фантастическим образом, намеренно нарушаются пропорции человеческого тела и окружающих объектов, вносятся очень яркие и необычные цвета, используются точки, штришки, и смазанные линии, в целом работы этого времени выглядят фантастически не реалистично, есть ощущение отсылки к наскальной живописи и ранним этапам изобразительного искусства.

Авиньонские девицы — Пабло Пикассо, 1907 г.

Позже идея развилась до того, что картина вообще не должна изображать какой-то объект, так как картина сама по себе и есть объект нашего мира. Художники заявили, что изображение реальности — не единственный способ создания произведения искусства, тем более с развитием фотографии становится очевидно, что фотоаппарат с реалистичностью может справиться куда быстрее художника. Картина — это больше не зеркало реального мира, картина — это новый независимый объект реальности, который создает художник, и эта картина больше не связана с чем-то, что мы можем увидеть вокруг нас или нафантазировать. Квинтэссенция этого подхода — полный отказ от изобразительности — черный квадрат Малевича, который ничего конкретного не изображает, но является предметом искусства сам по себе (русский авангард).

Черный супрематический квадрат — Казимир Малевич, 1915 г.

Критерий оценки качества картин Модерна — художник сделал что-то новое! Каждый автор старался найти какой-то новый способ рисования, новый стиль. Художники больше не копировали то, что они где-то видели, не старались подражать кому-то, а делали самобытные произведения, в основе которых лежало стремление сделать так, как до этого еще никто не делал. Если сегодня кто-то утверждает, что он сделал что-то по-новому, то он модернист. В модерне у картин отчасти оставалась рациональность (зачем нужна эта картина), замысел (идея) и функция (радовать глаз человека).

Ворота — Ганс Гофманн, 1960 г.

Постмодернизм (Contemporary Ary) берет начало с 1980 года и продолжается прямо сейчас (постживописная абстракция, живопись цветового поля, концептуальное искусство, минимализм, гиперреализм, метамодерн и проч.). По сути предпосылкой возникновения постмодерна можно считать Первую и Вторую мировые войны, после которых человечество было вынуждено выработать новые общественные идеалы и противопоставить довоенные концепты обновленному взгляду на мир. Также большое влияние на живопись оказало развитие науки и технологий. Это, наверное, самое жизнерадостное и веселое направление в искусстве. Если по-новому в свое время уже сделали модернисты, то в чем же фишка постмодерна?

Второй модерн (Secondary Modern) — Гленн Браун

Художники постмодернисты в противовес модерну решили отказаться от идеи пользы и рациональности искусства. Зачем нужно обосновывать пользу своих картин? Почему искусство должно быть пафосным и элитарным? Зачем не пытаться или пытаться что-то изобразить или не изображать вовсе? Будь проще, это ведь всего лишь картина! Не нужно ее никак оценивать, хороша она или не очень, ведь вы (зрители) все равно можете ей наслаждаться, если захотите. Просто потому что в эту картину не заложено ничего заумного или слишком сложного, что не даст вам сходу понять ее. Все что угодно может быть картиной и интерпретировать ее можно как угодно!

Интересный пример концепции, заложенной в картину, можно увидеть у Хёрста. Есть предположение, что он изучал религии и пытался найти химические вещества, которые могли бы искусственно вызывать у человека ощущения, похожие на религиозный экстаз разного типа (от прикосновения к древней реликвии до общения с богом). Он гипотетически разложил по таблеткам разного цвета (пилюли, которые можно открыть) разную химию. Таблетки разложил в шкафчике, нарисовал получившуюся картину. Также он задумывался о том, сколько таблеток за жизнь принимает человек. То есть точки, это вполне вероятно не просто точки и их расположение и цвет могут быть результатом целого исследования.

Точки Херста

Синергетика в науке, поиск теории Всего в физике (теория струн), исследования в области искусственного интеллекта, развитие интернета, роботы, глобализация являются теми социальными силами, которые отражаются в искусстве постмодерна. Тем не менее есть ощущение, что картина постмодерна будет интересна и доступна для понимания даже ребенку, ведь в картину заложена игра, хаос, случай, тренды, взаимодействие со зрителем, ирония, легкость, вариативность интерпретации. В некоторые картины также заложена загадка — концепция, определенная идея, узнать которую можно лишь прочитав историю создания произведения.

Физическая невозможность смерти в сознании живущего — Демьен Хёрст, 1991 г.

Инсталляции, картины, перформансы и другие арт-объекты постмодерна поднимают актуальные философские вопросы человечества, являются отражением тесной связи искусства и науки, познания природы. Постмодерн игриво затрагивает абсолютно все. Работы часто принимают формы огромных полотен, пространств, не функциональных объектов, чем-то напоминающих Стоунхэдж. Например, выше на фотографии запечатлена ставшая уже классической работа Херста — огромный аквариум с акулой в формалине. Это произведение искусства невозможно взять с собой домой и украсить им столовую, оно очень много весит и занимает большую площадь. Если коллекционер приобретает подобное произведение, то это по сути как «недвижимость» в сфере искусства.

Банка с супом Кэмпбелл — Энди Уорхол, 1961 г.

В постмодерне на первый план выходят инсталляции и перформансы. Обычно люди заходят в музей и смотрят там произведения искусства, пространство ранее являлось лишь вместилищем картин и скульптуры. Постмодернисты подумали, почему бы не сделать комнату (пространство) само по себе арт-объектом, на который придут посмотреть люди. Пустая комната с белыми стенами, в которой с промежутком в 5 секунд то зажигается, то гаснет свет — пример того, что вы можете встретить в музеях Постмодерна. Также вы увидите там кубы, минималистично стоящие на полу, параллелепипеды, закрепленные на стенах друг над другом и много других интересных объектов современного искусства.

Untitled — Дональд Жадд, 1980 г.

Авторы постмодерна: Уорхол, Бойс, Кунинг, Парсонс, Дюшан, Поллок, Херст и другие Молодые Британские художники, Жадд, Гринберг, Ньюман, Ротко, Кошут, Мерсад Бербер и другие.

Графика — Мерсад Бербер (до 2012 г.)

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *